Das Zeitalter der Mittelmäßigkeit. Teil III. Moderne Kunst.

Francisco Cesar Pinheiro Rodrigues
Desembargador Aposentado

Am Ende meines vorherigen Artikels, Nr. II. der Serie "Das Zeitalter der Mittelmäßigkeit", klassifizierte ich Pablo Picasso als einen ausgeklügelten Psychologn und Experten für Marketing, denn als Künstler. Ich habe hielt ihn nie für einen großen Maler, weil - in meiner sündigen Unwissenheit - ich es für die unverzichtbare Qualifikation eines Malers halte, in der Lage zu sein, herausragend malen zu können. Ich wiederhole: herausragend. Ein sehr ungewöhnliches Talent, und vielleicht unerreichbar, ausser durch Hingabe. Wie "musikalisches Gehör", eine natürliche Gabe. Es ist durchaus nicht einfach, mit Genauigkeit ein Gesicht, ein Pferd in Bewegung, den menschlichen Körper in unkonventionellen Positionen, die Bewegung der Wellen des Ozeans, ein Wasserfall, etc. zu reproduzieren.

Von allen Elementen des "Zeitalters der Mittelmäßigkeit" - zeitlich kurz oder andaürnd - dasjenige, welches die größte Anstrengung von mir verlangte, um es zu verstehen und festzunageln, war die Frage, was Kunst sei: Wie analysiert man die Reaktion der Öffentlichkeit vor einem Gemälde oder einer Skulptur; den unerklärlichen Ausbruch der Gefühle der Schönheit; oder die verzweigte Nomenklatur, die nach dem Klassizismus erschien? Wer die Bedeutung von Impressionismus, Post-Impressionismus, Fauvismus, Kubismus, Expressionismus, Futurismus, Dadaismus, Surrealismus, Konkretheit, Abstraktion, Primitivismus, "Pop Art", "Minimal Art", etc. verstehen will, wird erkennen, was für enorme Schwierigkeiten es bereitet, Grenzen zwischen verschiedenen "Schulen" zu ziehen. Zusätzlich erschweren die "post" dies und das dieses heikle Thema, da die künstlerische Richtungen immer in Bewegung sind.

Jedoch gibt es ein gemeinsames Merkmal all dieser Bewegungen: je moderner die Arbeit, desto weniger "Anstrengung" für den Künstler. In anderen Worten: Je moderner die Malerei, desto höher ist der Grad der (mühelosen) Abstraktion, Subjektivismus, Wertschätzung der Quantität über Qualität und die Notwendigkeit des Marketings. Wenn als bloßer Witz, oder um das Prestige eines Malers zu beweisen, eine Person, die nie gemalt hat, eine Leinwand kaufen und schnell ein paar Linie malen würde und bei Picasso anfragte, ob er die Arbeit unterzeichnen kann. Dieses Gemälde, in weniger als einer Minute, würde einen Wert von mehreren Millionen Dollar erlangen, und beweisen, dass es nicht die Malerei ist, die zählt, sondern die "Marke". Die "kenntnisreichsten" der berühmten Maler, in Anbetracht des obigen Gemäldes, nach der Bestätigung Picassos Unterschrift, würden vielleicht sagen, dass das Gemälde einmal mehr die Vielseitigkeit von Picassos Talent beweise.

Vincent Van Gogh verkaufte nur ein einziges Bild zu Lebzeiten. Die wenigen Menschen, die seine Bilder kauften, zu einem günstigen Preis bald nach seinem Tod, hatten größtes finanzielles Interesse an der Verkündigung der Genialität des Künstlers. Es besteht kein Zweifel, dass Van Gogh eine außergewöhnliche menschliche Figur war, aber es ist verwirrend, dass seine Arbeit erst nach seinem Tod so wertvoll wurde. Ein Beweis dafür, dass "finanzielle Psychologie", wenn wir es so nennen wollen, einen enormen Einfluss auf den Wert von Kunstwerken hat. Man kann sich fragen, wie das Genie des niederländische Künstlers, während er noch am Leben war, so gut versteckt von allen Experten seiner Zeit sein konnte, dass es notwendig für die Gemälde war, den Besitzer zu wechseln, um so wertvoll zu werden? Die Kunsthändler, die die Kunst des Handels verstehen, haben bessere "Augen für Kunst“ als die Kunstwissenschaftler?  

Ich würde mich wohler fühlen, wenn ich wüsste, dass die Genialität des Van Gogh entdeckt wurde, während er noch am Leben war. Er war ein Mann des Leidens, der Tragödie, die nur Sympathie inspirieren sollte. Ein Detail: er konnte malen. Sein guter Charakter, Sensibilität und Persönlichkeit verdienen den höchsten Respekt, aber sein Beispiel ist ein Beweis dafür, dass Geld die Welt der Kunst beherrscht und kontaminiert. Gemälde und Skulpturen wurde viel mehr ein finanzielles Thema - ähnlich den Aktionen von Unternehmen - als ein Thema der Kunst im eigentlichen Sinne. Der Grund, warum ich Kunst in meine Serie von Artikeln über das Mittelmaß einschliesse, ist dass das Geld die Kunst mittelmäßig gemacht hat.

Leonardo Da Vinci benötigte fünf Jahre, um die "Mona Lisa" zu malen. Er malte wenige Stunden am Tag, und viele Tage, um Perfektion des Details zu erlangen. In jedem Fall eine beträchtliche Zeit, um ein Werk zu malen. Im Gegensatz dazu sagte Picasso, wie online zitiert, "Gib mir ein Museum und ich werde es füllen". Da ein solches Museum oft sehr groß ist, würde nur ein sehr schneller und enorm "abstrakter" Maler es allein füllen. Bei zwanzig oder dreißig Gemälde pro Tag, wäre er in der Lage, dies in ein paar Monaten zu erreichen. Dies beweist, dass das, was zählt, für ihn reine Quantität war und eine Erklärung des Künstlerin, dass in diesen wenigen Strichen tiefe emotionale "Bedeutung" stecke. So tief, dass nur er es fühlen konnte. Glauben Sie es, wenn Sie können.

Ein moderner Kunstbeobachter, Tom Stoppard, sagte, dass das einzige Kriterium, um ein Bild von einer modernen Skulptur zu unterscheiden, das Folgende sei: wenn die Arbeit an der Wand hängt, ist es ein Gemälde, wenn man um sie herum gehen kann, ist es eine Skulptur.

Richard Schmid, wahrscheinlich kenntnisreich über das Thema – er erscheint auf diversen Kunstwebseiten Zahlen - sagte: "Ich glaube ehrlich, dass Kunststudenten aus dem nächsten Jahrhundert über die Schule der abstrakten Kunst lachen werden. Sie werden über einen solchen Schritt rückwärts der Kunstwelt verwundert sein.“

Al Capp, ein anderer Kommentator, fast es klarer: "Die abstrakte Kunst ist das Produkt derjenigen ohne Talent, verkauft durch diejenigen ohne Prinzipien, für jene ohne Verstand."
Ein weiterer Kommentator der modernen Kunst ging so weit zu sagen, "Der Versuch, moderne Kunst zu verstehen, ist wie der Versuch, der Handlung in einer Schüssel mit Buchstabensuppe zu folgen."

Und schließlich der Fürst der Maler höchstselbst, Leonardo da Vinci? Er sagte: "Wo der Geist nicht mit der Hand arbeitet, gibt es keine Kunst". Elitismus? Nein, einfach Respekt für die "andere Seite" der Kunst, ihre Empfänger: jene die sie sehen und hören. Die spontane Reaktion des Publikums kann nicht geleugnet werden.

In anderen Worten: ohne die "Hand" des echten Künstlers, ist der Subjektivismus des Malers nicht genug, selbst wenn er wirklich die Emotionen fühlt - die große Entschuldigung der modernen Maler, die sich nur auf das verlassen, was sie fühlen, nicht, was die öffentlichkeit wahrnimmt.

Als grober Vergleich: ein Dichter, der furchtbar stottert, kann sich nicht beschweren, wenn er einen Wettbewerb der Pösie verliert, auch wenn er noch so intelligentest, inspiriert und motiviert ist, was sein Stottern noch schlimmer machen könnte. Er kann durchaus seine gewaltige Inspiration nutzen, um Verse zu schreiben. Er ist nicht weniger ein Dichter wegen seines Sprachproblems. Er mag ein großer Dichter, allerdings kein großer Redner sein. Ich mache diesen Vergleich, vielleicht rücksichtslos, um zu zeigen, dass das, was in der Kunst zählt, die Wirkung auf jene ist, die es sehen und hören. In einem klassischen Klavierkonzert, könnte ein technischer und emotionsloser Pianist das Publikum hinwegfegen und als ein größerer Pianist gelten als jener, der schrecklich emotional ist, schwitzt und stöhnt, aber alles falsch spielt und fast den Flügel erschlägt.

Wenn das, was zählt, idas Gefühl des Künstlers wäre - und nicht das Produkt seiner Hände – liesse es sich vorstellen, dass die Wissenschaft eine Maschine erfände, die den Grad der Emotion und Inspiration erfasst, während ein Musikstück gespielt. Eine neü Art von Maschine, mit nachgewiesener Wirksamkeit, ähnlich heutiger Lügendetektoren. Der Unterschied ist, dass letztere das Vorhandensein einer Lüge erkennen, und die andere die Sensibilität des Künstlers beweisen könnte. Lassen Sie uns diese Möglichkeit weiter erkunden.

Announced, not modestly, is the arrival of a new musical genius in the country, a foreign pianist — so brilliant that few listeners would have the capacity to understand the profoundness of his art. His representative would declare that the inspiration of the artist could not be artificial, because in his arm, there would be that machine which proves the maximum degree of feeling a person can endure. In the advertisement that would precede his inaugural concert, there was a warning that people without an exceptional degree of sensibility and musical knowledge should not even buy the tickets because they probably would not be able to “capture” the profoundness of an art hidden under such simple appearance. The secret of that great artist would be in exerting an ästhetic and philosophical wealth that no Brazilians would have noticed before in Brazilian folk music. The refusal of the artist’s representative to sell tickets to everyone would even increase the demand for tickets. 

Angekündigt, ohne Zurückhaltung, ist die Ankunft eines neün musikalischen Genies im Lande, ein fremder Pianist - so brillant, dass nur wenige Zuhörer in der Lage wären, die Tiefe seiner Kunst verstehen. Sein Agent würde erklären, dass die Inspiration des Künstlers nicht künstlich sein könne, da an seinen Arm, die Maschine angeschlossen sein würde, die das Höchstmaß an Gefühl, das ein Mensch ertragen kann, beweisen würde. In der Werbung, die seinem Eröffnungskonzert vorausgehen würde, gäbe es eine Warnung, dass Menschen ohne besonderes Maß an Sensibilität und musikalischem Wissen die Tickets gar nicht erst kaufen sollten, weil sie wahrscheinlich nicht in der Lage wären, die Tiefgründigkeit einer solchen Kunst zu verstehen. Das Geheimnis dieses großen Künstlers sei das Schaffen eines ästhetischen und philosophischen Reichtums, den kein Brasilianer jemals zuvor in der brasilianischen Volksmusik erahnt hätte. Die Weigerung des Agenten, Tickets an jeden zu verkaufen, würde sogar die Nachfrage nach Tickets erhöhen.

Am erwarteten Tage, das Stadttheater ausverkauft, wird am Arm des Künstlers der  "Detektor der ehrlichen Emotionalität" unter Videoüberwachung angebracht. Nach beeindruckender Stille beginnt der Künstler endlich zu spielen, mit nur einem Finger: "Alle meine Entchen, schwimmen auf dem See, schwimmen auf dem See... ".

Das Publikum ist schockiert, das Lachen zurückhaltend aus Angst, als ignorant zu erscheinen, bleibt mit ernsten Gesichtern sitzen und beobachtet den riesigen Bildschirm, der den "Detektor ehrlicher Emotionalität" mit dem Künstler verbindet, in der Hoffnung auf ein schlechtes "emotionales Ergebnis", mit dem Boo-Schrei bereits in der Kehle. Die Maschine bestätigt jedoch das höchste künstlerische Gefühl, dass ein menschliches Wesen fühlen könnte. Die außergewöhnliche Inspiration des Künstlers könnte nachgewiesen werden. Danach würde die Öffentlichkeit sich gegen ihre eigenen Meinungen richten: - "Ich bin wirklich enorm ignorant!" Und wenn der Künstler einen Schlaganfall erleiden würde und tot umfiele, bald nach Abschluss seines Konzerts, gäbe es eine lange theoretische Diskussion über das Genie des Pianisten und die Gründe, die ihn diese Melodie wählen liessen und nicht eine anderet. - "Was ist der Sinn der Enten und des Sees in dem Lied?" Und so weiter.

Zweifellos eine Übertreibung, aber in der Substanz ist es, was geschieht unter der Ausrede, dass der Künstler nur ausdrücken bräuche, was er fühlt, um seine Kunst zu externalisieren.

In der Malerei war alles in Ordnung bis zum Klassizismus, wenn eine technische Innovation außerhalb der Welt der Kunst die friedliche Atmosphäre, die Dinge so zu malen, wie sie in den Augen der Menschen erscheinen, veränderte: die Fotografie. Mit einem einfachen "Klick" war es möglich, "zu kopieren", mit einer Präzision von Linien und Ausgewogenheit der Proportionen, die nicht einmal Leonardo Da Vinci erreichen könnte. Die Verbreitung und Verbesserung der Fotografie war die Rettung jener Künstlern, die trotz ihrer potentiellen Empfindsamkeit, weder die natürliche Fähigkeit noch die Geduld aufweisen konnten, auf einer Leinwand das wiederzugeben, was die Augen sahen.

Der Weg war somit offen - und gepflastert - für Menschen, die sich emotional mit der Kunst identifizieren konnten und sich an dieser geheimnisvollen Welt, voller Verführungen, beteiligen wollten. Inklusive der Fraün. Fraün der damaligen Zeit - des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts - fühlten eine besondere Anziehungskraft für "Künstler", impulsiv fühlend und kaum durch Konventionen eingeschränkt. Heute, bevorzugen sie wahrscheinlich die "Künstler der Finanzen" und des Sportes, viel rentabeler, ich meine, attraktiver. Maler waren zu dieser Zeit fast ausschliesslich Männer.

Die Welt der Kunst - wenn aufrichtig und authentisch - hat ein sehr interessantes Gesicht. Ihre Anschauungen sind häufig richtig. Der gerissene Politiker aus Bahia, der verstorbene Antônio Carlos Magalhães, pflegte zu sagen, dass es Wahnsinn wäre für einen Politiker, die künstlerische Klasse anzugreifen. Man sollte es nie tun. Freud gestand, dass er selten eine Entdeckung vor einem Dichter gemacht habe. Die wahre Kunst ist hier klar im Vorteil: sie erreicht, nicht „absichtlich", sondern durch Intuition, was noch nicht von der Wissenschaft erreicht werden kann. Sie fliegt, während die Wissenschaft zu Fuss geht.

Mit dem Aufkommen der Fotografie gab es diejenigen, die nur gerissen waren, auf der Suche nach einem einfachen und schnellen Weg zu Erfolg und Ruhm, und ihres Nebenprodukts: Geld. Eine künstlerische "Demokratie", die es jedem Draufgänger ohne viel Talent für das Malen erlaubt, anzugeben, Aufmerksamkeit zu erheischen. Außerdem, je schockierender die Arbeit, je disharmonischer in der reale Darstellung von Objekten, desto größer ist der "Skandal" und die Fähigkeit, Aufmerksamkeit zu erregen, mit kommerzieller Verstärkung. Für den skeptischen Beobachter, der sagen würden, dass dies Kühnheit sei, und keine Kunst, hat man zwei Antworten parat: 1) wer die exakte Reproduktion einer Landschaft oder Gegenstandes will, soll ein Foto schiessen, und 2) in der Kunst, ist die Materie des Künstlers sein Gefühl, nicht das materielle Produkt dieses Gefühls.

Pablo Picasso war derjenige, der am offensten den Standpunkt vertrat, dass das Wesentliche in der Malerei und Skulptur die Emotionen des Künstlers seien, und nicht das, was wir als "bloße Realität" kennen. Für ihn, kann der Maler sogar mit den Augen malen, so lange er "inspiriert" ist. Das Publikum sollte sich nicht auf das Aussehen konzentrieren. Es müsse " so fühlen, wie der Künstler gefühlt hat". Außergewöhnliche Psychologen der er war, würde er mit großer Überzeugung verläuten lassen, dass ein Millionär begonnen habe, seine Bilder zu kaufen, und damit eine enorme Wertsteigerung seiner eigenen Werke verursachen. Er würde sogar so weit gehen, zu sagen, dass er selbst nicht reich genug sei, um einen "Picasso" in seinem Haus zu haben.

Werfen wir einen Blick auf einige Zitate von ihm online:

                              "Ich male Objekten, wie ich sie denken, nicht wie ich sie sehe."

                              "Die Malerei ist der Beruf eines Blinden. Er malt nicht, was er sieht, sondern was er                               fühlt, was er sich selbst erzählt, dass er es gesehen hat.

                              "Die Menschen, die Kunst als Geschäft betreiben, sind meist Betrüger."

"Die Welt von heute macht keinen Sinn, also warum soll ich malen Bilder, die es tun?"

"Um zu zeichnen, müssen Sie Ihre Augen schließen und singen."

"Wer sieht das menschliche Gesicht richtig: der Fotograf, den Spiegel oder den Maler?"

In Anbetracht all dieser Tatsachen, was erklärt die Ausdaür der modernen Kunst, ihren großen wirtschaftlichen Wert, selbst wenn sie schockiert und mit der sichtbaren Wirklichkei im Konflikt steht?

Für mich ist die Erklärung die Persönlichkeit des Künstlers. In seiner Kühnheit, seiner Stärke, "Charisma", "starker Persönlichkeit", wie bei Picasso, dem großen Psychologe. Oder in die Integrität und Mitgefühl, wie in den Fällen von Vincent Van Gogh und sein Freund Paul Gauguin vorliegt. Es ist unmöglich, die Biographie von diesen beiden zu lesen, ohne durch diese sensiblen Seelen bewegt zu sein. Wussten sie, wie man malt? Sie wussten genug, allerdings ohne sich zu sehr um das Kopieren von realen Objekten zu bemühen.

Der Charakter eines Künstlers "verunreinigt" sein Werk, sowohl positiv als auch negativ. Es hat dringende Auswirkungen auf die Akzeptanz in der Öffentlichkeit. Auch die politische Orientierung ist von Bedeutung. Picasso selbst profitierte hiervon. Im Allgemeinen war er sympathisch. Hatte großzügige Ideen und war offen in seinen Meinungen, wie man in den Zitaten oben sehen kann. Wäre er rechtsgerichtet oder faschistisch, wäre er nie ein berühmter Künstler geworden. "Gürnica" gab ihm Auftrieb. Das gleiche passierte in anderen Künsten: die Persönlichkeit des Künstlers "verunreinigt" sein Werk, zum Guten und Schlechten. 

Abstraktion ist der fruchtbarste Boden der Philosophie. Ich denke, dass für mindestens eine gewisse Zeit, der Mensch immer noch ein gewisses Maß an Tugend, Schwierigkeit und Arbeit in jeder Kunst verlangen wird. In sportlichen Wettkämpfen, im Zirkus, im Kino, beim Schreiben von Kurzgeschichten, Romanen und Gedichten wird erwartet, dass der Künstler selbst über Fähigkeiten verfügt, die das Mittelmass übersteigen. Es ist nicht genug, dass der Künstler nur "fühlt", allein in seiner eigenen geheimnisvollen "Box", nur non-sense, oder unverständliche Texte verfasst. Daher rührt das tief verwurzelte allgemeine Vorurteil gegen die moderne Kunst, die nicht einmal das Auge erfreut  und intellektuell alles bedeuten könnte: - "Es ist zu einfach. Selbst ich könnte das...".

Nun, eine kurze Notiz zur Musik. Von allen Arten der Kunst, ist es in meinen Augen diejenige, die am wenigsten anfällig für Betrug ist. Die musikalische Mittelmäßigkeit kann sich nicht lange über Wasser halten, weil sie innerhalb weniger Minuten ausgewertet werden kann. Sie sinkt, weil es kein finanzieller Vorteil hat, wenn sie niemanden begeistert. Man benötigt nur eine Minute, um zu hören, ob ein Song es wert ist oder nicht. Die Masse an Kompositionen und die Größe des Publikums, der sie zugänglich sind, strafen die Vermarktung von Musik, die niemand hören oder kaufen möchte. Doch mit moderner Kunst, ist es ein eingeschränkter Markt reicher Kunden, welche Gemälde als eine Art Wertreserve sehen, wenn der Name des Malers bekannt ist. Das Gemälde ist materiell, anfassbar, konkret, es ist wahr und real wie ein Schuldschein. Wie Musik, die niemand hören möchte, ist es lediglich Rauschen, ungewollt, es ist unmöglich, sie zu einem Schmuckstück zu transformieren.

Nur beim Jazz habe ich einige Zweifel. Die Mehrheit der Leute mögen ihn nicht, weil er keiner erkennbaren Melodie folgt. Aus meiner Sicht (vielleicht bin ich auch ignorant), sollte Jazz nur als Technik der Komposition verwendet werden. Die Musiker könnten endlos improvisieren, aber wenn, durch Zufall, die wandernden Künstler auf eine neü Melodie "stoßen würden", sollten sie sie entwickeln und einen 'normalen' Song verlassen. Weshalb ich ungern negativ über Jazz rede, ist das Wissen, dass der Schriftsteller José Verissimo – den ich für sehr intelligent halte - diese Musikrichtung genießt. Wenn er ein Fan dieses Stils ist, gibt es vielleicht ein gewisse Schönheit, die sich uns entzieht.

Im nächsten Artikel werden wir über Literatur zu sprechen, und in den folgenden über Politik, insbesondere internationale Politik, deren Mittelmäßigkeit über jeder anderen Art von Mittelmäßigkeit thront.
(2-4-2012)